Hayao Miyazaki: a trajetória do diretor que transformou animação em poesia

De Nausicaä a O Menino e a Garça, Hayao Miyazaki construiu um cinema em que fantasia, natureza, infância, guerra e humanidade se encontram para revelar novas formas de enxergar o mundo.

Hayao Miyazaki: informações sobre o diretor

• Nome: Hayao Miyazaki
• Nascimento: 5 de janeiro de 1941
• Local: Tóquio, Japão
• Profissão: Diretor, roteirista, animador e produtor
• Primeiro longa-metragem como diretor: O Castelo de Cagliostro (1979)
• Studio: Studio Ghibli
• Principais parceiros: Isao Takahata, Toshio Suzuki e Joe Hisaishi
• Oscar: 2 vitórias
• Oscar Honorário: 2014
• Principais filmes: Nausicaä do Vale do Vento, Meu Vizinho Totoro, Princesa Mononoke, A Viagem de Chihiro, O Castelo Animado, Vidas ao Vento e O Menino e a Garça

Hayao Miyazaki ocupa uma posição singular na história do cinema. Embora seu nome esteja inevitavelmente associado à animação japonesa e ao Studio Ghibli, reduzir sua obra a esse gênero seria ignorar justamente aquilo que tornou seus filmes tão importantes. Ao longo de mais de quatro décadas, Miyazaki criou histórias capazes de falar sobre infância, amadurecimento, guerra, natureza, tecnologia, memória, perda e liberdade sem abandonar a fantasia que caracteriza sua linguagem. Seus filmes podem ser vistos por crianças, mas nunca foram feitos apenas para elas.

Nascido em Tóquio, em 1941, Miyazaki começou sua carreira profissional como animador em 1963, na Toei Doga, e passou pelas principais transformações da animação japonesa antes de chegar ao cinema como diretor. Em 1979, realizou O Castelo de Cagliostro, seu primeiro longa para o cinema, e cinco anos depois lançou Nausicaä do Vale do Vento, filme que se tornaria fundamental para o surgimento do Studio Ghibli. A partir daí, sua carreira seria marcada por uma combinação rara de sucesso popular, reconhecimento crítico e uma visão artística extremamente pessoal.

O mais fascinante, porém, está na maneira como esses filmes conversam entre si. O voo que aparece em O Castelo de Cagliostro reaparece em Porco Rosso e encontra uma dimensão mais trágica em Vidas ao Vento. A preocupação ambiental de Nausicaä ganha novas formas em Princesa Mononoke e Ponyo. A infância de Meu Amigo Totoro encontra outra dimensão em A Viagem de Chihiro, enquanto memória, perda e imaginação atravessam O Menino e a Garça. Observar essa trajetória é entender que Miyazaki nunca esteve simplesmente contando histórias diferentes: ele passou a vida desenvolvendo as mesmas grandes perguntas sob novas formas.

Neste artigo você vai encontrar:

• Como Hayao Miyazaki começou no cinema de animação
• Studio Ghibli: quando Miyazaki encontrou sua casa no cinema
• Os filmes de Hayao Miyazaki
• O que os filmes de Hayao Miyazaki têm em comum?
• Hayao Miyazaki e a Garça: os bastidores de O Menino e a Garça
• Hayao Miyazaki e o Oscar
• Hayao Miyazaki é o maior diretor de animação da história?

Como Hayao Miyazaki começou no cinema de animação

Antes de se tornar um dos nomes mais conhecidos da animação mundial, Miyazaki passou anos aprendendo a linguagem do desenho animado dentro dos grandes estúdios japoneses. Sua entrada na Toei Doga, em 1963, marcou o começo de uma carreira dedicada ao trabalho artesanal da animação, período em que ele desenvolveu habilidades como animador e conheceu Isao Takahata, parceria criativa que teria enorme importância em sua trajetória.

A experiência acumulada durante os anos seguintes ajudou Miyazaki a entender que animação não deveria ser tratada simplesmente como uma técnica para movimentar desenhos. Para ele, o movimento poderia transmitir personalidade, ritmo e emoção, enquanto o espaço ao redor dos personagens poderia contar parte da história sem depender de diálogos. Essa preocupação com a imagem e com o comportamento dos personagens já apareceria em seus primeiros trabalhos como diretor.

Em 1979, Miyazaki chegou ao cinema com O Castelo de Cagliostro, aventura baseada no universo de Lupin III. O filme ainda não possui todas as características que mais tarde seriam associadas ao diretor, mas já apresenta elementos fundamentais de seu cinema, como a paixão por máquinas, o movimento constante, personagens femininas fortes, cenários detalhados e uma atenção especial ao comportamento humano. Décadas mais tarde, quando Miyazaki recebeu o Oscar Honorário, John Lasseter destacou justamente o olhar do diretor para os detalhes do comportamento humano ao lembrar o impacto que Cagliostro teve sobre ele.

Studio Ghibli: quando Miyazaki encontrou sua casa no cinema

Nausicaä do Vale do Vento, lançado em 1984, representa um ponto de virada. O filme foi baseado no mangá criado pelo próprio Miyazaki e produzido antes da existência do Studio Ghibli, mas seu sucesso está diretamente ligado à formação do estúdio. A partir de 1985, Miyazaki, Isao Takahata e Toshio Suzuki passaram a construir uma companhia que mudaria a percepção internacional sobre a animação japonesa.

O Studio Ghibli não nasceu com a intenção de produzir apenas filmes infantis. Desde o início, seus principais realizadores demonstraram interesse por histórias capazes de tratar crianças e adultos como espectadores igualmente importantes. Essa característica se tornaria uma das grandes forças do estúdio: seus filmes poderiam conter aventura, humor e criaturas fantásticas, mas também falariam de morte, guerra, solidão, responsabilidade, destruição ambiental e amadurecimento.

Miyazaki se tornaria o principal rosto internacional dessa transformação, embora o Studio Ghibli jamais possa ser compreendido apenas através dele. A presença de Takahata, Suzuki, Joe Hisaishi e de inúmeros animadores foi fundamental para a identidade da empresa. Ainda assim, a filmografia de Miyazaki possui uma unidade tão forte que permite observar, filme após filme, a formação de uma das visões autorais mais reconhecíveis do cinema contemporâneo.

Os filmes de Hayao Miyazaki

Os 12 longas-metragens dirigidos por Hayao Miyazaki para o cinema formam uma trajetória que vai de 1979 a 2023. O próprio Studio Ghibli identifica O Menino e a Garça como seu 12º longa-metragem de animação para o cinema, lançado dez anos depois de Vidas ao Vento.

A ordem cronológica é importante porque permite perceber como temas aparentemente diferentes estão conectados. A aventura de Cagliostro, a preocupação ambiental de Nausicaä, a infância de Totoro, a melancolia de Porco Rosso, a guerra de Vidas ao Vento e o luto de O Menino e a Garça fazem parte de uma mesma trajetória artística.

lupin III: O Castelo de Cagliostro

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1979
• IMDb: 7,6/10
• Elenco: Yasuo Yamada, Eiko Masuyama e Kiyoshi Kobayashi

Sobre o filme

O Castelo de Cagliostro acompanha Lupin III em uma aventura envolvendo uma princesa, um castelo, um conde e um mistério relacionado a um antigo tesouro. Baseado no universo criado por Monkey Punch, o filme coloca Miyazaki diante de uma história de ação e aventura que exigia velocidade, humor e uma grande quantidade de movimento. O resultado já demonstra um diretor interessado em fazer com que cada sequência tenha vida própria.

Mesmo trabalhando com personagens que não foram criados por ele, Miyazaki imprime ao filme uma sensibilidade que posteriormente seria reconhecida em sua obra. A princesa Clarisse não funciona simplesmente como alguém que precisa ser resgatada, enquanto Lupin é apresentado menos como um criminoso tradicional e mais como um personagem movido pela curiosidade, pela aventura e por uma espécie particular de liberdade.

O filme também revela uma das características mais persistentes do cinema de Miyazaki: a fascinação pelo movimento. Carros, aviões, motocicletas, quedas, perseguições e deslocamentos constantes transformam a própria ação em espetáculo. O diretor ainda encontraria formas muito mais pessoais de utilizar esse fascínio, mas Cagliostro já mostra o nascimento de uma linguagem visual extremamente dinâmica.

Por que assistir?
Porque O Castelo de Cagliostro permite observar Miyazaki antes de se tornar o Miyazaki que o mundo aprendeu a reconhecer. É um filme de aventura mais convencional do que seus trabalhos posteriores, mas sua direção já demonstra uma atenção extraordinária à movimentação dos personagens e à construção dos espaços.

Também vale assistir porque a obra funciona como uma espécie de ponto de partida para temas que continuariam presentes durante toda a carreira do diretor. A paixão por máquinas, a importância das personagens femininas, o prazer de explorar paisagens e a ideia de que aventura pode ser também uma forma de liberdade já estão presentes aqui.

Além disso, Cagliostro ajuda a compreender que o estilo de Miyazaki não surgiu repentinamente com Meu Vizinho Totoro ou A Viagem de Chihiro. Ele foi desenvolvido ao longo de anos de trabalho como animador, diretor de televisão e cineasta, e este primeiro longa é uma das melhores maneiras de observar essa evolução.

Curiosidade
O filme foi lançado em 1979 e é reconhecido como o primeiro longa-metragem dirigido por Miyazaki para o cinema. Antes dele, o diretor já havia trabalhado em animação para televisão e participado de diversos projetos dentro da indústria japonesa.

Legado
O maior legado de O Castelo de Cagliostro está em mostrar a origem cinematográfica de Miyazaki. Embora o diretor ainda estivesse trabalhando dentro de um universo criado por outro artista, sua maneira de organizar ação, personagens e cenários já apontava para uma personalidade autoral que seria desenvolvida nos filmes seguintes.

A importância do filme também pode ser percebida pela influência que exerceu sobre outros cineastas e animadores. Quando a Academia concedeu a Miyazaki o Oscar Honorário em 2014, John Lasseter relembrou justamente o impacto que teve ao conhecer Cagliostro. Mais do que um primeiro passo, o filme é uma janela para o momento em que um grande animador começava a descobrir que poderia transformar suas obsessões visuais em cinema.

Nausicaä do Vale do Vento

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1984
• IMDb: 8,0/10
• Elenco: Sumi Shimamoto, Gorō Naya, Yōji Matsuda, Yoshiko Sakakibara e Iemasa Kayumi

Sobre o filme

Em um futuro marcado pela destruição ambiental e por conflitos entre comunidades humanas, a princesa Nausicaä tenta compreender um mundo em que a humanidade parece estar lutando contra a própria natureza. Em vez de enxergar a floresta tóxica apenas como uma ameaça, ela procura entender seu funcionamento e descobrir por que aquele ambiente se tornou tão perigoso.

A grande força do filme está justamente nessa mudança de perspectiva. Nausicaä não é uma protagonista definida apenas pela capacidade de lutar; ela é uma personagem que observa, pesquisa, sente compaixão e tenta compreender aquilo que os outros preferem destruir. Miyazaki apresenta um conflito em que nenhum dos lados possui respostas completamente satisfatórias.

Nausicaä também é fundamental para entender a relação de Miyazaki com a tecnologia e a guerra. Aviões, armas e máquinas convivem com criaturas gigantescas e paisagens naturais, mas o filme nunca apresenta o desenvolvimento humano como algo neutro. Cada avanço possui um custo, e a sobrevivência depende da capacidade de reconhecer os limites do próprio poder.

Por que assistir?
Porque Nausicaä do Vale do Vento contém, em estado inicial, muitos dos grandes temas que acompanharão Miyazaki durante toda a carreira. Natureza, guerra, tecnologia, pacifismo, voo e protagonistas femininas fortes aparecem reunidos em uma aventura de escala épica. O filme também merece atenção pela maneira como evita uma divisão simples entre heróis e vilões. Miyazaki entende que os personagens possuem medo, interesses e necessidades diferentes, e que muitas vezes a violência nasce justamente da incapacidade de compreender o outro.

Para quem deseja entender o diretor, este é provavelmente um dos filmes mais importantes da filmografia. Nausicaä não é apenas um grande filme de fantasia e ficção científica; é praticamente uma declaração de princípios sobre o cinema que Miyazaki passaria décadas desenvolvendo.

Curiosidade
O filme foi baseado no mangá de mesmo nome criado por Miyazaki, que começou a ser publicado em 1982. O próprio Studio Ghibli registra Nausicaä como uma obra fundamental de sua história, embora o filme tenha sido produzido antes da fundação formal do estúdio.

Legado
Nausicaä do Vale do Vento ajudou a criar as condições para o nascimento do Studio Ghibli e estabeleceu muitos dos elementos que posteriormente seriam associados ao cinema de Miyazaki. A relação entre humanidade e natureza, especialmente, permaneceria no centro de filmes como Princesa Mononoke e Ponyo. Sua importância também está na personagem principal. Nausicaä pertence a uma linhagem de protagonistas femininas que não precisam abandonar sensibilidade ou inteligência para demonstrar força, característica que se tornaria uma das marcas mais importantes do diretor.

Mais de quatro décadas depois, Nausicaä continua sendo uma das melhores portas de entrada para compreender o pensamento cinematográfico de Miyazaki, porque nele já existe a pergunta que atravessará grande parte de sua obra: como a humanidade pode criar um futuro sem destruir aquilo que permite sua própria existência?

O Castelo no Céu

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1986
• IMDb: 8,0/10
• Elenco: Mayumi Tanaka, Keiko Yokozawa, Kotoe Hatsui e Minori Terada

Sobre o filme

Sheeta e Pazu embarcam em uma aventura para descobrir os segredos de Laputa, uma cidade lendária que permanece suspensa no céu. Piratas aéreos, agentes militares, robôs e uma tecnologia aparentemente impossível fazem parte de uma história que combina fantasia, ficção científica e aventura clássica. O filme demonstra o prazer de Miyazaki em criar mundos em movimento. A paisagem não é apenas cenário, porque os personagens estão constantemente atravessando montanhas, cidades, túneis, navios e o próprio céu. O espaço cinematográfico se transforma em parte da aventura, criando a sensação de que sempre existe algo novo esperando além da próxima imagem.

Ao mesmo tempo, O Castelo no Céu introduz uma questão que se tornaria recorrente: o que acontece quando uma tecnologia extraordinária cai nas mãos de pessoas interessadas apenas em poder? A cidade de Laputa representa tanto o sonho da capacidade humana quanto o perigo de uma civilização que acredita poder dominar tudo aquilo que criou.

Por que assistir?

Porque este é um dos filmes mais puramente aventureiros de Miyazaki, funcionando quase como uma grande homenagem às histórias de exploração e descoberta. A narrativa possui ritmo, humor, romance, perseguições e momentos de contemplação, sem abandonar a complexidade temática. Também é uma excelente demonstração da habilidade do diretor para criar máquinas que parecem possuir personalidade. Aeronaves, robôs e mecanismos não são apenas objetos funcionais; eles participam da identidade visual do filme e ajudam a definir o universo em que a história acontece.

Além disso, O Castelo no Céu é fundamental para quem quer compreender o começo do Studio Ghibli. Foi um dos primeiros filmes realizados dentro da nova estrutura do estúdio e ajudou a estabelecer a combinação entre imaginação, aventura e preocupação humanista que se tornaria sua assinatura.

Curiosidade
O Castelo no Céu foi lançado em 1986 e aparece na relação oficial de obras do Studio Ghibli. A produção marcou um dos primeiros grandes passos do estúdio recém-formado.

Legado
O filme consolidou a parceria criativa entre Miyazaki e o Studio Ghibli e ajudou a estabelecer uma identidade visual que continuaria presente nas décadas seguintes. O fascínio por máquinas voadoras e mundos suspensos também reapareceria em diferentes formas em Porco Rosso, O Castelo Animado e Vidas ao Vento.

Sua importância está ainda na maneira como Miyazaki consegue transformar uma aventura aparentemente tradicional em uma reflexão sobre poder e responsabilidade. Laputa pode ser maravilhosa, mas justamente por isso também é perigosa. O resultado é um filme que permanece relevante não apenas por sua beleza visual, mas porque entende que a imaginação tecnológica pode ser simultaneamente uma promessa e uma ameaça.

Meu Amigo Totoro

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1988
• IMDb: 8,1/10
• Elenco: Hitoshi Takagi, Noriko Hidaka, Chika Sakamoto e Shigesato Itoi

Sobre o filme

Satsuki e Mei se mudam com o pai para uma casa no interior enquanto a mãe permanece hospitalizada. A descoberta de criaturas mágicas na floresta transforma a rotina das duas meninas em uma experiência de encantamento, mas o filme nunca trata a fantasia como uma simples fuga da realidade.

A grande força de Meu Amigo Totoro está justamente na ausência de uma estrutura tradicional de aventura. Não existe um grande vilão que precise ser derrotado, nem uma missão épica que conduza cada cena. Miyazaki encontra dramaticidade na própria experiência de ser criança e perceber o mundo como um lugar enorme, misterioso e cheio de possibilidades.

Totoro, nesse sentido, é mais do que uma criatura carismática. Ele representa a sensação de que existe algo no mundo que os adultos já não conseguem enxergar. A floresta, a chuva, o vento, os animais e até os sons da casa fazem parte de uma experiência em que natureza e imaginação parecem existir no mesmo espaço.

Por que assistir?
Porque poucos filmes compreenderam tão bem a maneira como uma criança percebe o mundo. Miyazaki não tenta transformar a infância em uma versão simplificada da vida adulta; ele permite que ela tenha seus próprios ritmos, medos, descobertas e formas de compreender a realidade. O filme também demonstra uma confiança extraordinária no silêncio e na contemplação. Muitas das cenas mais memoráveis não dependem de grandes acontecimentos, mas da espera, da observação e da sensação de estar em determinado lugar.

Para quem conhece Miyazaki apenas por A Viagem de Chihiro, Totoro revela uma outra dimensão do diretor: a capacidade de encontrar grandeza cinematográfica em acontecimentos aparentemente pequenos.

Curiosidade
Meu Amigo Totoro foi lançado em 1988 e aparece entre as obras oficiais do Studio Ghibli. No Japão, chegou aos cinemas no mesmo período de O Túmulo dos Vagalumes, de Isao Takahata, uma combinação que se tornou histórica para o estúdio.

Legado
Totoro se tornou um dos símbolos mais reconhecidos do Studio Ghibli e passou a representar visualmente a própria identidade do estúdio. Poucos personagens de animação possuem uma associação tão imediata com uma companhia cinematográfica. Mas o legado do filme vai muito além do personagem. Totoro mostrou que uma história sem um antagonista tradicional poderia alcançar enorme impacto emocional, abrindo espaço para uma forma de cinema em que atmosfera e experiência são tão importantes quanto conflito.

Talvez seja justamente por isso que o filme tenha envelhecido tão bem. Meu Vizinho Totoro não depende de uma tendência específica de sua época; ele fala sobre uma experiência universal: o momento em que uma criança descobre que o mundo é muito maior do que aquilo que os adultos conseguem explicar.

O Serviço de Entregas da Kiki

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1989
• IMDb: 7,8/10
• Elenco: Minami Takayama, Rei Sakuma, Kappei Yamaguchi e Keiko Toda

Sobre o filme

Kiki é uma jovem bruxa que, aos 13 anos, precisa deixar sua família e passar um período vivendo sozinha em outra cidade. Ao lado de seu gato Jiji, ela começa a trabalhar fazendo entregas voando em sua vassoura e descobre que independência significa muito mais do que simplesmente estar longe dos pais. Miyazaki transforma uma premissa fantástica em uma história sobre insegurança, trabalho e amadurecimento. Kiki precisa aprender a lidar com clientes, responsabilidades, amizades e fracassos, enquanto tenta descobrir quem é quando deixa de estar protegida pela estrutura familiar.

O filme também apresenta uma característica importante do cinema de Miyazaki: seus personagens não precisam salvar o mundo para viver uma experiência transformadora. Para Kiki, aprender a trabalhar, fazer amigos e recuperar a confiança em si mesma já é uma aventura suficientemente grande.

Por que assistir?
Kiki é um dos filmes mais acessíveis de Miyazaki porque sua fantasia está diretamente ligada a experiências reconhecíveis. A dificuldade de encontrar um lugar no mundo, o medo de fracassar e a necessidade de construir independência são sentimentos que permanecem atuais. A relação entre Kiki e a cidade também é fundamental. O espaço urbano não funciona apenas como pano de fundo, mas como um lugar que oferece oportunidades e dificuldades à protagonista, obrigando-a a descobrir como participar daquela comunidade.

É também um dos filmes que melhor demonstra a capacidade de Miyazaki de falar sobre amadurecimento sem transformar a adolescência em uma sucessão de grandes discursos. O crescimento acontece através das pequenas decisões que Kiki precisa tomar.

Curiosidade
O filme foi inspirado no livro infantil de Eiko Kadono, embora Miyazaki tenha desenvolvido uma adaptação cinematográfica própria para a história.

Legado
O Serviço de Entregas da Kiki consolidou uma das características mais importantes da filmografia de Miyazaki: a construção de protagonistas femininas independentes, complexas e capazes de conduzir sozinhas a narrativa. O filme também reforçou o interesse do diretor pelo voo como metáfora de liberdade. Para Kiki, voar não é apenas uma habilidade mágica; é uma extensão da autonomia que ela está tentando conquistar.

Seu legado permanece particularmente forte entre espectadores que reconhecem no filme uma experiência universal de transição: o momento em que precisamos descobrir quem somos quando ninguém mais pode tomar todas as decisões por nós.

Porco Rosso: O Último Herói Romântico

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1992
• IMDb: 7,7/10
• Elenco: Shūichirō Moriyama, Tokiko Katō e Bunshi Katsura VI

Sobre o filme

Em uma Itália marcada pela memória da Primeira Guerra Mundial, Porco Rosso é um piloto veterano que trabalha como caçador de recompensas e vive afastado da sociedade. A peculiaridade mais evidente é que ele possui o rosto de um porco, mas Miyazaki utiliza essa transformação como uma maneira de construir um personagem marcado pela melancolia, pela culpa e pelo desejo de permanecer livre.

A aviação ocupa o centro da narrativa, mas Porco Rosso está muito mais interessado nas razões pelas quais seu protagonista escolheu viver daquela maneira. O filme apresenta um homem que parece ter perdido a fé no mundo e encontrou nos céus uma forma de continuar existindo sem precisar se submeter às regras que rejeita.

Fio, a jovem engenheira que trabalha no avião de Porco, também desempenha um papel essencial nessa história. Sua presença introduz uma energia diferente na narrativa e mostra novamente a capacidade de Miyazaki de criar personagens femininas que não existem apenas para acompanhar o protagonista masculino.

Por que assistir?
Porque Porco Rosso é uma das obras mais singulares de Miyazaki e talvez uma das mais melancólicas. A aparência fantástica do protagonista contrasta com uma história que fala sobre guerra, envelhecimento, culpa, amizade e liberdade. O filme também é uma oportunidade de observar o fascínio de Miyazaki pelos aviões de maneira particularmente sofisticada. As máquinas voadoras são belas, mas a história nunca esquece que foram criadas e utilizadas em um contexto de violência.

Para quem deseja compreender a relação entre fantasia e melancolia na obra do diretor, Porco Rosso é indispensável. Ele mostra que um filme pode ser divertido e triste ao mesmo tempo, sem que uma emoção anule a outra.

Curiosidade
O projeto surgiu a partir de um trabalho de Miyazaki chamado Hikōtei Jidai, que posteriormente evoluiu para o longa-metragem. O interesse do diretor por aviação aparece aqui de maneira particularmente evidente.

Legado
Porco Rosso consolidou o voo como um dos grandes motivos visuais do cinema de Miyazaki e antecipou questões que seriam retomadas de forma mais dramática em Vidas ao Vento. O filme também demonstrou que o diretor podia trabalhar com personagens adultos e temas históricos sem abandonar sua imaginação. A fantasia deixa de ser um território infantil e passa a funcionar como uma maneira de falar sobre memória e trauma.

É justamente essa mistura que faz de Porco Rosso uma obra tão particular dentro da filmografia de Miyazaki e uma das melhores demonstrações de que seu cinema nunca esteve limitado a uma única faixa etária.

Princesa Mononoke

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 1997
• IMDb: 8,3/10
• Elenco: Yōji Matsuda, Yuriko Ishida, Yūko Tanaka e Kaoru Kobayashi

Sobre o filme

Ashitaka deixa sua comunidade depois de ser atingido por uma maldição e acaba envolvido em um conflito entre os habitantes da Cidade do Ferro e os espíritos da floresta. No centro dessa disputa está San, uma jovem criada por lobos que luta pela sobrevivência de um mundo natural ameaçado pela expansão humana.

O grande mérito de Miyazaki está em não transformar esse conflito em uma história simples sobre natureza boa e humanidade má. Lady Eboshi destrói parte da floresta, mas também oferece trabalho e proteção a pessoas marginalizadas. San luta pela natureza, mas também é movida por raiva e violência. Ashitaka percebe que compreender o conflito é muito mais difícil do que simplesmente escolher um lado.

A natureza em Princesa Mononoke também possui uma dimensão quase espiritual. A floresta não é apenas um ecossistema ameaçado, mas um espaço que parece ter sua própria vontade. Quando Miyazaki coloca esse mundo diante das máquinas humanas, transforma uma discussão ambiental em um épico sobre a dificuldade de coexistência.

Por que assistir?
Porque Princesa Mononoke talvez seja o filme que melhor resume a complexidade do pensamento de Miyazaki. Ele consegue discutir industrialização, violência, espiritualidade e preservação ambiental sem reduzir nenhum desses temas a uma única resposta. O filme também representa uma evolução visual importante dentro da carreira do diretor. A escala é maior, os conflitos são mais violentos e os personagens enfrentam consequências mais duras do que em grande parte de seus trabalhos anteriores.

Para quem procura entender por que Miyazaki é considerado um autor cinematográfico, Princesa Mononoke é fundamental. A animação deixa de ser apenas uma técnica de representação e se transforma em uma linguagem capaz de sustentar um épico adulto sobre o futuro do planeta.

Curiosidade
O filme foi um grande sucesso no Japão e ajudou a ampliar ainda mais o alcance internacional de Miyazaki. O IMDb registra sua importância como uma das obras centrais da carreira do diretor.

Legado
Princesa Mononoke consolidou a reputação de Miyazaki como um cineasta capaz de abordar temas ambientais e políticos com enorme complexidade dentro da animação. O filme também preparou o terreno para a internacionalização definitiva do diretor. Poucos anos depois, A Viagem de Chihiro levaria seu cinema ao Oscar e a um público mundial ainda maior.

Seu legado permanece especialmente forte porque a questão central do filme não perdeu relevância: como uma sociedade pode se desenvolver sem transformar o mundo natural em simples matéria-prima?

A Viagem de Chihiro

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 2001
• IMDb: 8,6/10
• Elenco: Rumi Hiiragi, Miyu Irino, Mari Natsuki e Bunta Sugawara

Sobre o filme

Chihiro é uma menina de dez anos que entra acidentalmente em um mundo habitado por espíritos e criaturas sobrenaturais depois que seus pais são transformados em porcos. Para tentar recuperá-los, ela precisa trabalhar na casa de banhos comandada por Yubaba e aprender a sobreviver em um ambiente no qual as regras são completamente diferentes daquelas que conhecia.

A jornada de Chihiro é também uma história de amadurecimento. No começo, ela demonstra medo, insegurança e dependência, mas aos poucos aprende a tomar decisões, cumprir responsabilidades e compreender pessoas que inicialmente parecem ameaçadoras. Miyazaki transforma a fantasia em uma maneira de representar uma experiência muito real: crescer significa descobrir que o mundo não pode ser explicado apenas pelos adultos.

O filme também reúne praticamente todas as grandes obsessões do diretor. Há natureza, trabalho, consumo, identidade, memória, infância, espiritualidade, tecnologia e transformação. Mesmo com uma quantidade enorme de elementos fantásticos, a história nunca perde seu centro emocional, que está na transformação de uma menina que aprende a confiar em si mesma.

Por que assistir?
Porque A Viagem de Chihiro é provavelmente a obra mais completa para compreender a capacidade de Miyazaki de transformar fantasia em experiência humana. O mundo sobrenatural é gigantesco, mas a narrativa continua sendo conduzida pelas emoções de uma única criança. Também é um filme visualmente extraordinário, mas sua importância não depende apenas da animação. A riqueza de personagens, símbolos e ambientes permite que diferentes espectadores encontrem significados diferentes na história.

E existe ainda a importância histórica: A Viagem de Chihiro venceu o Oscar de Melhor Filme de Animação na cerimônia de 2003, tornando-se a primeira produção japonesa vencedora da categoria.

Curiosidade
O filme foi lançado no Japão em 2001 e chegou ao Oscar dois anos depois. A vitória marcou um momento decisivo para o reconhecimento internacional do cinema de animação japonês.

Legado
A Viagem de Chihiro transformou Miyazaki em uma referência global para além dos círculos especializados em animação. O filme demonstrou que uma produção japonesa desenhada à mão poderia competir culturalmente com as maiores animações do mundo. Sua influência também está relacionada à maneira como o filme trata crianças como protagonistas de histórias complexas. Chihiro não é uma heroína porque possui poderes extraordinários, mas porque aprende a agir em um mundo que inicialmente não compreende.

Mais de duas décadas depois, o filme continua sendo um dos principais pontos de entrada para quem deseja conhecer o Studio Ghibli e permanece como uma das obras fundamentais para entender por que Miyazaki ultrapassou os limites da animação.

O Castelo Animado

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 2004
• IMDb: 8,2/10
• Elenco: Chieko Baishō, Takuya Kimura, Tatsuya Gashūin e Akihiro Miwa

Sobre o filme

Sophie trabalha em uma chapelaria até ser amaldiçoada pela Bruxa das Terras Desoladas e transformada em uma mulher idosa. Sua busca por uma forma de quebrar a maldição a leva ao castelo ambulante do mago Howl, um lugar que parece funcionar de acordo com regras próprias e onde ninguém é exatamente aquilo que aparenta.

A transformação física de Sophie permite que Miyazaki desenvolva uma reflexão sobre identidade e aparência. Ao assumir um corpo envelhecido, a personagem começa a perceber que muitas das limitações que acreditava possuir estavam relacionadas à maneira como enxergava a si mesma.

Ao mesmo tempo, o filme apresenta uma forte crítica à guerra. Howl é um personagem que possui enorme poder, mas não deseja utilizá-lo em um conflito que considera absurdo. O fantástico, nesse caso, não serve apenas para criar maravilhas; ele permite que Miyazaki fale sobre violência, medo e a dificuldade de permanecer humano em tempos de guerra.

Por que assistir?
Porque O Castelo Animado combina romance, fantasia, humor e crítica política em uma das construções visuais mais imaginativas da carreira do diretor. O castelo é particularmente importante porque parece refletir os próprios personagens. Ele é instável, cheio de mecanismos, portas e espaços contraditórios, funcionando como uma extensão do mundo interior de Howl.

Também é um filme que recompensa novas visualizações. Quanto mais o espectador conhece os personagens, mais percebe que a história não está interessada apenas em explicar como funciona aquele mundo, mas em mostrar como pessoas feridas podem mudar umas às outras.

Curiosidade
O filme é baseado no romance Howl’s Moving Castle, de Diana Wynne Jones. O Studio Ghibli registra Miyazaki como roteirista e diretor e Joe Hisaishi como responsável pela música. O longa recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme de Animação.

Legado
O Castelo Animado consolidou a presença internacional do Studio Ghibli depois do sucesso de A Viagem de Chihiro e se tornou uma das obras mais populares de Miyazaki fora do Japão. Sua importância também está na maneira como o diretor adapta uma obra literária sem simplesmente reproduzi-la. Miyazaki utiliza a premissa original para desenvolver suas próprias preocupações com guerra, identidade, envelhecimento e responsabilidade.

O resultado é um filme que parece uma fantasia romântica, mas que possui uma camada política e emocional muito mais profunda, característica que ajudou a manter a obra relevante para diferentes gerações.

Ponyo: Uma Amizade que Veio do Mar

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 2008
• IMDb: 7,6/10
• Elenco: Tomoko Yamaguchi, Kazushige Nagashima e Nara Yūki

Sobre o filme

Ponyo é uma pequena criatura marinha que encontra o menino Sōsuke e deseja se tornar humana depois de criar um vínculo com ele. A decisão provoca uma série de acontecimentos que aproximam o mundo do oceano e o mundo humano, transformando a amizade entre duas crianças em uma aventura de grandes proporções. Miyazaki trabalha aqui com uma narrativa aparentemente mais simples, mas utiliza a água como uma das grandes protagonistas visuais do filme. O oceano está constantemente em movimento, as ondas ganham formas quase humanas e o mundo natural parece responder às escolhas dos personagens.

Existe também uma delicada reflexão sobre confiança e afeto. Ponyo e Sōsuke não compreendem completamente as consequências de suas ações, mas existe entre eles uma sinceridade que contrasta com a preocupação dos adultos em controlar aquilo que está acontecendo.

Por que assistir?
Porque Ponyo mostra que Miyazaki não precisava construir uma história tão complexa quanto Princesa Mononoke para continuar discutindo sua relação com a natureza. O filme é visualmente exuberante e possui uma energia quase infantil, mas essa simplicidade é deliberada. Miyazaki retorna à perspectiva da criança para observar o mundo sem a necessidade de explicar tudo racionalmente.

Para quem acompanha a carreira do diretor, Ponyo também funciona como uma espécie de síntese de elementos anteriores: infância, natureza, água, família, transformação e a sensação de que o mundo cotidiano esconde algo extraordinário.

Curiosidade
O Studio Ghibli registra Ponyo como um filme escrito e dirigido por Miyazaki, com música de Joe Hisaishi e lançamento japonês em 2008.

Legado
Ponyo consolidou a capacidade de Miyazaki de continuar falando diretamente com crianças sem simplificar sua visão de mundo. O filme parece mais acessível do que obras como Princesa Mononoke, mas continua carregando preocupações ambientais e familiares.

Sua estética também demonstra a liberdade gráfica que o diretor buscava naquele momento da carreira, aproximando o desenho da espontaneidade infantil. O resultado é uma obra que funciona como aventura para os mais jovens e como uma reflexão sobre natureza e afeto para os adultos, uma combinação que resume boa parte da força do cinema de Miyazaki.

Vidas ao Vento

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 2013
• IMDb: 7,8/10
• Elenco: Hideaki Anno, Miori Takimoto e Hidetoshi Nishijima

Sobre o filme

Jiro Horikoshi sonha em construir aviões, mas não pode ser piloto por causa de sua visão. Em vez de abandonar o sonho, decide transformar sua paixão pela aviação em engenharia e passa a projetar aeronaves. O problema é que seus projetos serão utilizados pelo Japão durante a Segunda Guerra Mundial. Miyazaki encontra nesse conflito uma das contradições mais interessantes de sua filmografia. Jiro deseja criar máquinas belas e eficientes, mas não controla completamente o destino dessas criações. A engenharia pode ser uma forma de arte, mas também pode ser incorporada por estruturas de guerra.

A relação entre beleza e destruição se torna ainda mais poderosa porque o filme não transforma Jiro em um herói tradicional nem em um vilão. Ele é um homem apaixonado pelo próprio trabalho, tentando realizar um sonho em um período histórico que transforma sua criação em instrumento de guerra.

Por que assistir?

Porque Vidas ao Vento representa uma das fases mais maduras do cinema de Miyazaki. A fantasia continua presente, principalmente através dos sonhos de Jiro, mas a narrativa está profundamente ligada à história real. É também um filme essencial para compreender a obsessão do diretor pelos aviões. Depois de aparecerem como instrumentos de aventura em Cagliostro, Castelo no Céu e Porco Rosso, as máquinas voadoras agora aparecem associadas à beleza, à criação e à destruição.

O filme exige uma leitura mais ambígua do que muitos trabalhos anteriores de Miyazaki, justamente porque não oferece uma resposta simples para o dilema de Jiro. Amar aquilo que se cria não significa necessariamente controlar aquilo que será feito com a criação.

Curiosidade

Vidas ao Vento foi indicado ao Oscar de Melhor Animação em 2014. A Academia registra Hayao Miyazaki e Toshio Suzuki entre os responsáveis pela indicação.

Legado

O filme foi inicialmente apresentado como o último longa de Miyazaki antes de seu retorno uma década depois com O Menino e a Garça. Isso deu à obra um peso especial dentro de sua filmografia.

Seu legado está também na maneira como encerra uma longa trajetória de fascínio do diretor pela aviação. O avião, que durante décadas representou liberdade e aventura, passa a carregar uma dimensão histórica e moral muito mais pesada. Vidas ao Vento é, portanto, uma obra de transição: olha para o passado, revisita obsessões antigas e começa a preparar o terreno para o cinema mais introspectivo que Miyazaki apresentaria em seu retorno.

O Menino e a Garça

• Direção: Hayao Miyazaki
• Ano: 2023
• IMDb: 7,3/10
• Elenco: Soma Santoki, Masaki Suda, Takuya Kimura e Kō Shibasaki

Sobre o filme

Depois da morte da mãe, Mahito se muda com o pai para o interior e passa a viver em uma casa cercada por memórias e silêncios. A aparição de uma garça misteriosa o conduz a um mundo fantástico em que realidade, memória, morte e imaginação começam a se misturar.

O filme é deliberadamente mais enigmático do que muitas das obras anteriores de Miyazaki. Em vez de oferecer todas as respostas, o diretor constrói uma narrativa que exige do espectador uma disposição maior para observar imagens, símbolos e relações sem necessariamente compreender tudo imediatamente.

Por isso, O Menino e a Garça pode ser interpretado como uma conversa de Miyazaki com a própria trajetória. O filme reúne temas que acompanharam o diretor durante décadas: infância, guerra, morte, voo, família, memória, natureza e criação e os reorganiza em uma narrativa profundamente pessoal.

Por que assistir?
Porque poucas obras de Miyazaki parecem tão conscientes da passagem do tempo. O filme não tenta reproduzir exatamente a energia de A Viagem de Chihiro ou Meu Vizinho Totoro; ele parece interessado em olhar para essas experiências a partir de uma perspectiva mais madura. A relação entre Mahito e o mundo que encontra também permite interpretar a fantasia como uma forma de lidar com a perda. O universo fantástico não elimina a dor do personagem, mas oferece um espaço para que ele consiga confrontá-la e compreender aquilo que aconteceu.

E existe uma dimensão histórica impossível de ignorar: o filme venceu o Oscar de Melhor Animação na cerimônia de 2024, 21 anos depois de A Viagem de Chihiro. O próprio Studio Ghibli identifica a produção como o 12º longa de Miyazaki para o cinema.

Curiosidade
O Studio Ghibli informa que o projeto começou a ser desenvolvido em 2016 e que o título japonês utiliza o mesmo nome do livro de 1937 How Do You Live?, de Genzaburo Yoshino, embora o conteúdo do filme seja uma história original de Miyazaki e não uma adaptação do romance.

Legado
O Menino e a Garça tornou-se uma espécie de ponto de encontro entre diferentes fases da carreira de Miyazaki. O filme recupera imagens e temas conhecidos, mas os apresenta através de uma narrativa mais reflexiva e menos interessada em explicar seu próprio universo. A vitória no Oscar reforçou algo que já havia sido demonstrado por A Viagem de Chihiro: o cinema de Miyazaki não depende de um momento específico da animação japonesa para encontrar reconhecimento internacional. Décadas depois de seu primeiro longa, ele continuava capaz de criar uma obra premiada no maior palco do cinema americano.

Seu maior legado, porém, talvez esteja em sua posição dentro da própria carreira. Depois de mais de quatro décadas, Miyazaki chegou a um filme que parece menos preocupado em conquistar novos espectadores do que em refletir sobre tudo aquilo que o cinema significou para ele. É uma obra sobre perda, imaginação e continuidade, mas também sobre o que significa deixar um mundo para a próxima geração.

O que os filmes de Hayao Miyazaki têm em comum?

À primeira vista, os filmes de Miyazaki parecem pertencer a universos completamente diferentes. O Castelo de Cagliostro é uma aventura policial, Meu Vizinho Totoro é uma história de infância, Princesa Mononoke é um épico ambiental, A Viagem de Chihiro mergulha em um mundo espiritual e Vidas ao Vento acompanha um engenheiro de aviões durante um dos períodos mais violentos da história japonesa.

Quando observamos a filmografia inteira, porém, algumas obsessões se tornam evidentes. Miyazaki volta constantemente ao voo, à natureza, à infância, à guerra, à tecnologia, ao amadurecimento e à relação entre seres humanos e aquilo que não conseguem controlar. A diferença está na forma como cada filme reorganiza essas ideias. Miyazaki nunca parece satisfeito em repetir uma resposta que já encontrou. Ele retorna aos mesmos temas porque cada história permite enxergá-los de uma maneira diferente, e é justamente essa repetição com transformação que dá à sua filmografia uma identidade tão forte.

A natureza nunca é apenas cenário nos filmes de Miyazaki

Em Nausicaä, a natureza foi profundamente alterada pela ação humana e reage de uma maneira que os personagens não compreendem completamente. Em Totoro, ela representa descoberta e liberdade. Em Princesa Mononoke, transforma-se em força política e espiritual, enquanto em Ponyo o oceano parece adquirir uma energia quase própria.

Essa relação nunca é completamente ingênua. Miyazaki não apresenta a humanidade como uma espécie que simplesmente deveria abandonar a tecnologia e voltar a viver na floresta. Seus filmes reconhecem que as pessoas precisam construir, produzir e transformar o ambiente para sobreviver.

O conflito aparece quando essa transformação deixa de considerar limites. A natureza, no cinema de Miyazaki, não existe para servir aos personagens; ela possui valor próprio. Essa perspectiva ajuda a explicar por que seus filmes ambientais continuam encontrando novas gerações de espectadores.

Por que as protagonistas de Miyazaki são tão importantes?

Nausicaä, Kiki, San, Chihiro, Sophie e Ponyo possuem personalidades e trajetórias muito diferentes, mas nenhuma delas existe apenas para completar a jornada de um protagonista masculino. Elas conduzem as histórias, tomam decisões, cometem erros, enfrentam consequências e transformam o mundo ao redor. A força dessas personagens também raramente depende apenas da violência. Nausicaä tenta compreender antes de destruir, Kiki precisa recuperar sua confiança, Chihiro aprende a trabalhar e cuidar dos outros, Sophie enfrenta uma transformação física que muda sua percepção sobre si mesma e San luta pela própria existência sem aceitar facilmente o mundo humano.

Essa característica ajuda a explicar a longevidade dos filmes. As protagonistas de Miyazaki não foram construídas para representar uma única ideia de heroísmo; elas representam diferentes formas de coragem, e muitas delas continuam relevantes justamente porque seus conflitos são humanos antes de serem fantásticos.

Guerra, tecnologia e progresso no cinema de Miyazaki

A relação de Miyazaki com máquinas é uma das grandes contradições de sua obra. O diretor é claramente fascinado por aviões, locomotivas, robôs e mecanismos, mas seus filmes frequentemente perguntam o que acontece quando a capacidade tecnológica ultrapassa a responsabilidade humana. Em O Castelo no Céu, uma tecnologia extraordinária pode se transformar em arma. Em Princesa Mononoke, a produção industrial ameaça a floresta, embora também ofereça trabalho e proteção. Em Vidas ao Vento, o sonho de construir aviões encontra a realidade da guerra.

Essa ambiguidade impede que Miyazaki seja classificado simplesmente como um diretor “contra a tecnologia”. Sua questão é mais interessante: ele parece admirar profundamente a capacidade humana de criar, mas teme o momento em que aquilo que foi criado deixa de estar sob controle de quem o criou.

O voo como uma das grandes obsessões de Hayao Miyazaki

Poucos elementos aparecem de maneira tão constante na filmografia de Miyazaki quanto o voo. Lupin atravessa o céu em Cagliostro, os personagens de O Castelo no Céu vivem em torno de uma cidade flutuante, Kiki descobre sua independência através da vassoura, Porco Rosso encontra liberdade no avião e Jiro dedica sua vida à criação de aeronaves. O voo representa coisas diferentes em cada filme, mas quase sempre está associado à liberdade. Voar significa escapar das limitações do chão, descobrir novos horizontes e observar o mundo de outra perspectiva.

Em Vidas ao Vento, porém, essa liberdade ganha uma dimensão trágica. O avião continua sendo uma máquina de beleza e sonho, mas também se transforma em instrumento de guerra. Miyazaki parece reconhecer que até aquilo que mais amamos pode ser utilizado para finalidades que não escolhemos.

Hayao Miyazaki e a Garça: os bastidores de O Menino e a Garça

• Direção: Kaku Arakawa
• Ano: 2024
• Elenco principal: Hayao Miyazaki, Toshio Suzuki, Takeshi Honda, Isao Takahata
• Gênero: Documentário
• Duração: 120 minutos
• País: Japão
• Produção: NHK
• IMDb: 7,8/10

Se O Menino e a Garça pode ser entendido como uma reflexão sobre memória, perda e criação, o documentário Hayao Miyazaki e a Garça oferece uma oportunidade rara de observar o homem por trás dessa obra. Dirigido por Kaku Arakawa, o documentário de 2024 acompanha a produção do longa durante aproximadamente sete anos, com acesso ao Studio Ghibli e ao cotidiano de Miyazaki durante um dos períodos mais importantes de sua carreira. Com 120 minutos de duração, o filme foi apresentado em Cannes Classics e transforma o processo de produção em um retrato do próprio diretor.

A importância desse registro está justamente no tempo. Um making of convencional costuma reunir entrevistas, imagens de bastidores e depoimentos produzidos para explicar ou promover determinado filme, enquanto Arakawa teve a oportunidade de permanecer próximo de Miyazaki durante anos, registrando mudanças que dificilmente poderiam ser percebidas em uma produção mais curta. O documentário acompanha o diretor trabalhando, pensando, discutindo e enfrentando as dificuldades de uma obra que demorou anos para chegar à tela, transformando a produção em uma espécie de diário de criação.

O resultado é particularmente interessante porque Hayao Miyazaki e a Garça não trata apenas de animação. A câmera registra um artista envelhecendo enquanto tenta terminar um filme, ao mesmo tempo em que pessoas importantes de sua geração desaparecem e a ideia de aposentadoria volta constantemente ao seu redor. O Festival de Cannes destaca justamente essa dimensão, mencionando a relação de Miyazaki com o tempo, os problemas de memória e o luto pela morte de Isao Takahata, seu parceiro histórico e cofundador do Studio Ghibli.

Kaku Arakawa e a intimidade com Hayao Miyazaki

Kaku Arakawa não chegou ao Studio Ghibli como um documentarista desconhecido. Sua relação com Miyazaki foi construída ao longo de anos e inclui trabalhos anteriores sobre o diretor, entre eles Never-Ending Man: Hayao Miyazaki e a série 10 Years with Hayao Miyazaki. Essa proximidade ajuda a explicar por que o documentário consegue observar momentos tão íntimos do processo criativo sem transformar Miyazaki em uma figura exclusivamente construída para a câmera.

A câmera de Arakawa acompanha o cotidiano de Miyazaki sem precisar transformar cada momento em uma explicação sobre sua importância. Em vez de apresentar constantemente o diretor como “um dos maiores nomes da animação”, o documentário permite que o próprio comportamento do artista produza essa percepção. Vemos um homem extremamente experiente, mas ainda envolvido em dúvidas, alterações e problemas concretos de produção.

Essa abordagem é particularmente valiosa porque quebra um pouco o mito do gênio solitário. Miyazaki é, sem dúvida, a figura central do processo, mas Hayao Miyazaki e a Garça mostra também Toshio Suzuki, Takeshi Honda e outros colaboradores, revelando que mesmo uma obra tão autoral depende de relações profissionais e humanas que se desenvolvem ao longo de anos.

Miyazaki diante do tempo, da perda e da criação

Um dos elementos mais fortes do documentário é a consciência de que Miyazaki não está apenas produzindo mais um filme. Aos mais de 80 anos, cada projeto carrega uma relação inevitável com a passagem do tempo. A aposentadoria anunciada depois de Vidas ao Vento já havia demonstrado que o diretor reconhecia seus limites, mas o retorno ao trabalho mostrou novamente que a criação continuava sendo uma necessidade difícil de abandonar.

A morte de Isao Takahata acrescenta uma camada ainda mais profunda a esse processo. Takahata não era simplesmente um colega de profissão, mas uma das pessoas que participaram da construção da trajetória de Miyazaki desde décadas antes do Studio Ghibli. Sua ausência transforma o trabalho do diretor em algo inevitavelmente relacionado à memória de uma geração de artistas que ajudou a construir a animação japonesa moderna.

É justamente nesse contexto que O Menino e a Garça ganha outra dimensão. O filme fala sobre perda, memória, morte, família e a necessidade de seguir adiante, e o documentário mostra que essas questões não estavam isoladas da vida de seu criador. Não significa que cada personagem deva ser interpretado como um retrato literal de Miyazaki, mas o contexto de produção torna impossível ignorar a proximidade entre os temas da obra e o momento pessoal vivido pelo diretor.

Toshio Suzuki e a força por trás do processo

A relação entre Miyazaki e Toshio Suzuki é outro dos grandes motivos para assistir ao documentário. Suzuki não aparece simplesmente como um produtor responsável por transformar o trabalho do diretor em produto comercial. Ele funciona como uma espécie de contraponto à personalidade obsessiva de Miyazaki, alguém capaz de compreender suas ideias, pressioná-lo e, ao mesmo tempo, manter o projeto avançando.

O próprio Festival de Cannes destaca a relação entre os dois como uma colaboração marcada por amizade, tensão e uma espécie de jogo de estratégias, aproximando essa dinâmica da relação entre Mahito e a Garça. Suzuki conhece Miyazaki há décadas e entende que o perfeccionismo do diretor pode ser tanto sua maior qualidade quanto um obstáculo para concluir uma obra.

Essa relação ajuda a compreender uma verdade importante sobre o Studio Ghibli: por mais que os filmes sejam associados individualmente aos seus diretores, eles são resultado de uma estrutura coletiva extremamente particular. Miyazaki pode ser o autor central, mas Suzuki é uma das pessoas que tornaram possível que sua visão chegasse ao público.

O documentário muda a maneira de assistir a O Menino e a Garça?

Sim, principalmente porque ele transforma o filme de animação em uma experiência biográfica mais ampla. Depois de acompanhar Miyazaki trabalhando durante anos, torna-se difícil enxergar O Menino e a Garça apenas como uma aventura fantástica. A história de Mahito passa a dialogar com a ideia de perda, continuidade e construção de memória que atravessa a própria vida do diretor.

Também fica mais clara a posição do filme dentro da filmografia. Elementos presentes em obras anteriores — o voo, a infância, a guerra, a natureza, os mundos paralelos, as criaturas fantásticas e a transformação — reaparecem, mas agora parecem pertencer à memória de um artista que passou décadas desenvolvendo sua linguagem.

O documentário não oferece uma chave definitiva para decifrar O Menino e a Garça, e isso é importante. Miyazaki nunca foi um cineasta interessado em explicar completamente seus mundos. O que Arakawa oferece é algo diferente: o contexto humano que permite compreender por que aquele filme nasceu naquele momento específico da vida do diretor.

Hayao Miyazaki e o Oscar

O reconhecimento da Academia ajuda a dimensionar a importância internacional da carreira de Miyazaki. A Viagem de Chihiro venceu o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003, estabelecendo um marco para o cinema japonês na premiação. Em 2014, Miyazaki recebeu o Oscar Honorário pelo conjunto de sua trajetória. A Academia destacou o reconhecimento de sua contribuição para o cinema, e a cerimônia contou com a homenagem de John Lasseter, que falou sobre a influência de seus filmes em sua própria formação como cineasta.

A história ganhou um novo capítulo em 2024, quando O Menino e a Garça venceu novamente o Oscar de Melhor Filme de Animação. Assim, duas obras separadas por 22 anos de lançamento colocaram Miyazaki entre os raríssimos diretores capazes de alcançar o topo da categoria em momentos tão diferentes de suas carreiras.

Hayao Miyazaki é o maior diretor de animação da história?

É uma pergunta impossível de responder de maneira absolutamente objetiva, mas é difícil analisar a história da animação cinematográfica sem colocá-lo entre seus nomes mais importantes. Sua filmografia combina sucesso popular, reconhecimento crítico, influência internacional e uma consistência autoral que poucos cineastas conseguiram manter durante tanto tempo. Miyazaki também ajudou a ampliar a própria ideia do que uma animação poderia ser. Seus filmes não precisam escolher entre ser entretenimento e reflexão, entre fantasia e realidade, ou entre crianças e adultos.

Uma mesma sequência pode funcionar para uma criança fascinada por uma criatura fantástica e para um adulto que reconhece nela uma reflexão sobre perda, natureza ou amadurecimento. Talvez seja por isso que a pergunta mais interessante não seja se Miyazaki é simplesmente “o maior”, mas o que ele mudou na percepção do público sobre a animação. Seus filmes ajudaram a demonstrar que desenho, movimento e fantasia poderiam carregar a mesma complexidade emocional e temática de qualquer outra forma de cinema.

A carreira de Hayao Miyazaki começou em uma indústria de animação que ele ajudaria a transformar e chegou, décadas depois, a um filme premiado novamente pelo Oscar. Entre esses dois momentos existe uma filmografia que atravessa infância, guerra, natureza, tecnologia, amor, morte, memória e liberdade sem perder sua identidade. O Studio Ghibli se tornou uma referência mundial, mas o legado de Miyazaki não depende apenas do sucesso do estúdio. Sua importância está também na maneira como seus filmes continuam influenciando cineastas, animadores e espectadores que encontram neles uma combinação rara de beleza visual e profundidade emocional.

Talvez essa seja a melhor maneira de compreender sua trajetória. Hayao Miyazaki não transformou a animação em poesia simplesmente porque seus filmes são bonitos; ele fez isso porque acreditou que um desenho poderia carregar silêncio, contradição, memória, medo, desejo e esperança com a mesma força de qualquer imagem filmada. Seus mundos são fantásticos, mas aquilo que sentimos dentro deles é profundamente humano. Miyazaki não criou apenas mundos para serem vistos. Criou mundos para serem lembrados.

Mais para descobrir:

Fonte: IMDB, Box Office Mojo e Studio Ghibli.